У центрі поліфонії



PLG_JOOMLAVOTEEXTENDED_USER_RATING

Юрій Башмет стверджує, що його трактування «Чаконы» Баха залишається незмінною c тих пір, як він зіграв її в перший раз. Для нього це важливіше всього іншого.

З 13 по 22 лютого в Сочі пройде VIII Міжнародний форум мистецтв. Протягом десяти днів у його рамках відбудуться концерти таких виконавців, як скрипаль Вадим Рєпін, піаністка Єлизавета barcelona, е. графиня, італійський баритон Габріеле Нані, джазові музиканти - Абдулла Ібрагім і Йенс Ліндеманн. Хореограф Едвард Клюг покаже свою версію балету «Весна священна» Ігоря Стравінського. МХТ ім. Чехова привезе в Сочі моновистава Костянтина Хабенського «Контрабас». Художній керівник фестивалю маестро Юрій Башмет презентує авторську версію творів Меріме, Бізе і Щедріна «Кармен», спільний концерт з Діаною Арбеніною, сольну програму «Бенефіс альта», присвячену музиці російських композиторів другої половини ХХ століття. Напередодні фестивалю маестро відповів на запитання журналу «Експерт».

-Що сьогодні являє собою сочинський фестиваль? У чому його особливість?

- Головна особливість фестивалю в Сочі в тому, що досі в цьому місці його не було. Він коли-небудь мав народитися. Це не фестиваль класичної музики, а фестиваль мистецтв: драма, балет, джаз - кожен раз обов'язково приїжджає хтось із великих імен, природно, симфонічна музика, камерна... Коли в Сочі проходила Олімпіада, наш фестиваль виявився готовим продуктом з точки зору наповнення культурної програми. Ми там були не єдині, але зробили вагомий внесок в те, щоб кожен день у трьох залах йшли концерти. Олімпіада відшуміла, але ми і починали без неї. Криза трохи позначається, однак це не означає, що якщо я граю концерт з трьох частин, то від того, що зменшиться бюджет фестивалю, я візьму і не зіграю третю частину чи буду грати абияк. Оплата цієї праці - річ відносна. Я думаю, всі чудово зрозуміють, і іноземці теж. Радує, що ніхто, незважаючи на всі складності, не сказав: «Давайте затягнемо паски, а фестиваль нехай відпочине». Ніхто про нього не забув. Я дуже вдячний людям, які фестивалем дорожать і навіть у сьогоднішній непростий час, продовжують підтримувати нас. Це неймовірно важливо і говорить про те, що ми робимо наша справа від усього серця і людям потрібно, щоб це тривало і розвивалося.

- На що зараз приходять слухачі: на виконавця, автора музики або, може бути, на якийсь конкретний твір?

- Краще, якщо все це поєднується один з одним. Я пам'ятаю виступи Давида Ойстраха в його останні роки, ще в радянські часи. Здавалося б, скрипаль всіх часів. Але навіть у цьому випадку репертуар впливав на те, скільки людей прийде в зал. Може, до нього вже тоді звикли. Я пам'ятаю, що другий амфітеатр був якийсь незаповнений у Великому залі консерваторії. А потім був Потрійний концерт Бетховена для скрипки, віолончелі та рояля, і грали Ойстрах, Ростропович і Ріхтер. Туди було неможливо потрапити. Втім, якщо той же Ростропович грав такі характерні для нього твору, як «Дон Кіхот» Штрауса або «Рококо» Чайковського, так що б він не грав, сам по собі він викликав неймовірний інтерес, і також Ріхтер і Леонід Коган. Але все ж, якщо немає такого мегаимени, то публіка вибирає, на що піти. І якщо їй, припустимо, в один вечір запропонувати Шенберга, Шимановського і Хіндеміта, то це, я думаю, відіб'ється на кількості слухачів у залі. А якщо поставити «Пори року» Вівальді (це друга крайність), то всі прийдуть. Чому? Бо геніальна музика. Випадково музика не стає популярною. Це перевірено століттями. Моцарт, Бах, Бетховен, Брамс, Чайковський, Рахманінов - ці імена завжди приваблювали і приваблюють публіку у концертні зали. У цьому випадку цікаво, що нового скаже виконавець в музиці, яка виконувалася незліченну кількість разів, яку він зможе знайти рішення, як він передасть почуття, яка виникне при цьому атмосфера. Тим більше, що школа у всіх різна. Не марно в світі так багато музикантів - вони відрізняються один від одного манерою виконання. Мало тих, у кого, не бачачи, можна помилитися, що це грає той, а не інший.

- Що зараз відбувається з сучасною музикою й композиторами? Вони як і раніше відчувають терпіння слухачів на міцність?

- Знаменитий П'єр Булез останнім часом повернувся до мелодізму і гармониям, а коли-то був неймовірний авангардист. То ж ми можемо спостерігати і в інших авторів. Наприклад, останні твори Бели Бартока - це музика, а не експеримент, але з напрацьованим власною мовою. Все, що він робив упродовж всього свого життя, все, чого досяг, перетворилося в гармонію. Те ж саме сталося з Гією Канчелі. Він завжди був мінімалістом. І йому, звичайно, багато наслідували. Він весь цей час не спав, а продовжував відточувати свою мову. І якщо послухати його музику і тих, хто його наслідує, то відразу буде чутно, де оригінал, а де копія. Мова не йде про плагіат, мова йде про стилі.

- Це логіка індивідуального розвитку композиторів чи це якісь загальні процеси?

- І те й інше. У сімдесяті всі марили непізнаними літаючими об'єктами і чекали інопланетян, у вісімдесяті вірили пророцтвам про кінець світу і думали, що він дійсно настане. Всі ці настрої вбираються авторами. Вони або співпадають з настроями виконавця і слухача, або йдуть на крок попереду. Мені досі важко собі уявити, як можна сісти перед білим аркушем паперу і почати писати. Виконувати, коли все вже написано, можна. Можна по-різному інтерпретувати. Але вигадати - це творчий подвиг. Звідки це береться? З того, що композитор почув, від того, чому він навчився, від того, в якому настрої прокинувся сьогодні. Я дев'ять років чекав, коли Альфред Шнітке напише мені концерт - він мені обіцяв, ми з ним товаришували. Я вже навіть почав лаятися: «Обіцяв!» Він: «Обіцяв - значить зроблю. Зараз просто зайнятий». І майже дев'ять років знадобилося, щоб народився справжній шедевр. Порівняйте: концерт Бартока, видатного композитора XX століття, до моменту появи альтового концерту Шнітке був записаний всього два рази двома виконавцями. Вже через кілька років після появи написаного для мене концерту Шнітке у продажу було шість пластинок, записаних шістьма різними виконавцями. Як пояснити, що Шнітке став на якийсь момент більш популярний, ніж Барток? Та пройшли роки, а якість і глибину цієї музики історія поглинути не може. Тому що це справжні цінності. Бувають твори, яким вдається прогриміти, а потім про них забувають. А потім хтось знаходить цей матеріал і каже: «Як же ми могли забути Баха?»

- Що вам зараз хочеться грати?

- Я іноді ризикую. На свій день народження, який був зовсім недавно, я грав концерт у Великому залі консерваторії і поставив у програму «Концертну поему» Романа Весільне та «Етюди в простих тонах» Олександра Чайковського, це все живі автори, а у другому відділенні - «Стікс» Гії Канчелі. Це замість того, щоб зіграти Концертну симфонію Моцарта, про яку всі знають, що це шедевр, або ще щось класичне. Але в цей момент я так захотів. Вийшло непогано. Потім будемо робити що-небудь легке. Сьогодні отримав ноти. Через десять днів мені вже треба грати прем'єру твори італійського композитора - коли вивчу, не знаю. У будь-якому випадку, якщо я сьогодні граю «Чакону» Баха, нічого краще цього твору для мене не може існувати. «Чакона» йде 16-17 хвилин, а якщо після цього я граю твір Шуберта, наприклад Сонату для арпеджионе, то розумію, що помилявся і Шуберт, що все-таки серйозніше буде. Тому що, якщо я в цей момент не закоханий, - значить, все. Значить, це буде неправда.

- Чи відрізняється ваше сприйняття музики в залежності від того, в якій із двох своїх музичних іпостасей ви виступаєте - альтиста чи диригента?

- В історії музики чимало альтистів, які стали диригентами. Це і Юрій Темирканов, і Карло Джулини, і Юрій Симонов... Тому що альт - інструмент, який знаходиться в центрі поліфонії, всі інші струнні інструменти до нього примикають. Він самий старовинний музичний інструмент, який досі по-італійськи називається «віола», а скрипка - «виолино», тобто маленька віола, віолончель - «виолончелло», то є велика віола. В партитурі альт ніби купається в гармонії, тому що він в самому центрі. Зрозуміло, що я альтист, тому так для себе формулюю. Але Бах теж говорив, що, граючи на альті, відчуває себе в центрі поліфонії. Він грав на ньому, як і Моцарт. Паганіні, до речі, теж грав на альті. Ті, хто не звертає уваги на ці тонкощі, кажуть, що альт - це інструмент між скрипкою і віолончеллю. Але історично він не «між», а «в центрі». І по теситурі: він може грати так само напружено, як скрипка, а іноді так само м'яко, як віолончель. Не випадково Страдіварі робив альти, скрипки і віолончелі. Це був свого роду комплект. Напівжартома можна стверджувати, що диригент, який дивиться у партитуру, де ролі інструментів написані в різних ключах, як мінімум знає альтовий ключ. І це величезне досягнення для диригента, тому що знати ключі - це не так легко. Коли я диригую, то розумію, наскільки це ширше й цікавіше, ніж бути альтистом. Я можу зіграти «Реквієм» Моцарта, П'яту або Шосту симфонії Чайковського, симфонії Брамса і Шостаковича. На одному альті це не зіграєш. За обсягом самовідчуттів диригування оркестром важко з чимось порівнювати. З іншого боку, у альта від погоди чи від вологості може трохи змінюватися звук, або від того, як ти торкаєшся до нього, виспався ти або не виспався. Але у оркестру факторів, які можуть впливати на його звучання, у багато разів більше: може, сьогодні концертмейстер других скрипок взагалі не спав, тому що у нього вдома якась складна ситуація, або щось з родичами або зі здоров'ям. А музикантів сто чоловік... Там не тільки інструменти і їх настрій, але і стан виконавців. І це все повинно об'єднатися в щось єдине. Керувати симфонічним оркестром набагато складніше, ніж грати соло на якому-небудь інструменті, неважливо на якому. Оркестр як інструмент вміщує в себе дуже багато чого. Коли сам граєш на інструменті, отримуєш задоволення від швидкості контакту і від того, що ти захотів - і в тебе вийшло. З інструментом ти інших взаємодієш безпосередньо, у тебе з ним є тактильний контакт, а з оркестром занадто багато різних обставин. Але коли все виходить, то це фантастичні відчуття. Втім, коли виходить на альті, це теж фантастика. Так я і болтаюсь між ними: граю - задоволений, що граю, диригую - задоволений, що диригую.

- Що має статися між диригентом і оркестром, щоб музика вийшла?

- Всі диригенти різні, у них різні жести, у них різні темпи. Наприклад, у знаменитого Серджіу Челибидаке все в два рази повільніше, ніж у Фуртвенглера або Мравінського. В залежності від диригента виконання музики принципово змінюється. Є Велика соната Шуберта, яка така велика, що піаністи намагаються її не грати. Вона триває 55 хвилин або навіть годину. А Святослав Теофілович Ріхтер грав її сильно повільніше, ніж інші, і всі як заворожені, сиділи і слухали, тому що у нього було інше внутрішнє вимірювання часу. Можна, звичайно, помилитися в цьому випадку, але Ріхтер не помилився. У сталінські часи був великий Мравинский. Звичайно, він не був внутрішньо схожий на Сталіна, але був у віці, у нього був серйозний вигляд, і це діяло певним чином на музикантів. Мравинский приголомшливо расцвечивал партитуру. Якщо у нього вступав гобой, то це був гобой, а не просто якийсь там інструмент. Євгена Свєтланова у нас теж побоювалися, тому що він був якийсь суворий і абсолютно геніальний при цьому диригент. А є демократи, зате музиканти знають: він - хороший професіонал, і поки не зробиш, «не злізе». У кожного свій спосіб досягнення мети. Тосканіні, як відомо, виколов око скрипалеві паличкою. Диригент повинен переконати музикантів, що вони прийшли в храм музики і що вони не даремно цим з дитинства займаються. Тоді можна отримати від оркестру таку віддачу, що самому не впасти від цього градуси в момент виконання.

- Який зараз повинен бути образ у музиканта, який виходить на сцену? Чи повинен він бути яскравим, привабливим? Або скромний, непримітний чоловік теж має право публічно виконувати музику?

- Потрібно бути самим собою. Є різні виконавці, а сцена вимагає артистизму, як не крути. Потрібно особливу артистичне відчуття. Людина не може бути расхлябанным, він повинен захопити слухача, перетворити концерт в подію. Важлива навіть хода. Як вийшов артист, швидко або повільно, як він одягнений. Коли я робив багато років тому перший Міжнародний альтовий конкурс, то покликав різних людей, які були професіоналами в самих різних областях. Серед них був наш найкращий скрипковий майстер, кращий скрипаль Віктор Третьяков, там були композитори, які писали музику для альта, але там були і Микита Міхалков, Олег Меньшиков, Кахи Кавсадзе і Тетяна Друбич, яку я обожнюю. Вони теж оцінювали музикантів. Це відповідь на ваше запитання.

- Елементи перформансу в момент виконання музичного твору, коли ви, наприклад, граєте з оркестром в повній темряві, - наскільки вони важливі, наскільки сильно вони впливають на сприйняття музики?

- Дуже сильно. Але це рідко можна використовувати. Швидше за все, ви говорите про «Моцарті а-ля Гайдн» Шнітке, де в партитурі написано, що в цей момент повинен погаснути світло. І Шнітке не перший це придумав. Існує «Прощальна симфонія» Гайдна, коли музиканти, йдучи зі сцени, задувають свічки. Це всі експерименти, але вони мають сенс. Якщо рветься струна у струнника, це тільки додає успіху. Одного разу в Парижі у мене смичок вдарився в пульт перших скрипок - пальці не змогли його втримати, і він як стріла полетів в прохід. Успіх був колосальний. Після цього вже можна було нічого не грати.

- Що дає виконавцеві робота з живими композиторами, коли композитор є свідком того, як втілюються його музичні ідеї?

- Через композитора ти починаєш відчувати власну значимість, в тому сенсі, що через нього розумієш суть виконуваної музики. Шнітке говорив мені: «Тут у мене піано написано, але ти можеш грати форте, суть від цього не змінюється». Хоча чим більше проходить часу, тим більше я схильний грати так, як написав Шнітке. Може, я робив це так захоплено й щиро, що він був готовий зі мною погодитися і дозволив мені це робити. Іноді рух йде у зворотний бік. Коли Шнітке писав концерт для альта, він приїхав до мене в дуже збудженому стані і попросив: «Ось початок другої частини. Ти можеш показати його максимально голосно?» Я подумав, показав один варіант другий. Потім запропонував: «А може, розташуємо в певному ритмічному порядку ті ж гармонії, і тоді я зможу відірватись по повній програмі». І Шнітке відповів: «Так, звичайно!» - і я так і граю все життя. А ті люди, які не мали можливості спілкуватися з цим автором, - вони, нещасні, грають так, як він написав. А написав він так, що хочеш не хочеш, але гуркоту цього не вийде. Але він погодився з моїм варіантом, сказав: «Так, звичайно!» У мене навіть зберігся оригінал, де ці виправлення зроблені його рукою. Але в друк пішов початковий варіант. Одна японка записала його недавно і зіграла як курка (наспівує): «Тя-тя-тя-тя» - там, де треба гриміти і протиставляти себе всій групі тромбонів. У концерті Софії Губайдуліної, який вона написала для мене, дуже нервове для виконавця початок. Це соло. Оркестр сидить, мовчить, ти вийшов, вклонився, і починаються важкі стрибки та стрибки. На прем'єрі в Чикаго Губайдулина мені сказала: «Ти знаєш, коли сірник починаєш запалювати, проходить іскра, і сірник спочатку ніяк не запалюється, потім все-таки загоряється». Якщо б я з нею не мав можливості спілкуватися, я б грав по-іншому це початок. Зараз я завжди пам'ятаю про сірнику, як вона мені це показувала. Колись Паганіні не став грати «Гарольд в Італії» Берліоза, хоча сам його замовив. Сказав: «Гроші заплачу, а грати не буду, тому що це недостатньо віртуозно» - і не став. Але завдяки йому існує геніальний твір, який знає весь світ. Мабуть, Берліозу треба було відповісти: «Знаєш, Нікколо, завтра я сяду і буду писати для тебе віртуозний концерт, якщо тебе це не влаштовує». А він сказав: «Ну і гаразд».

- За вашими відчуттями, є зараз якийсь розкол в артистичному середовищі?

- Я б не став це називати так голосно - розколом. Це було завжди. Той, у кого щось не виходить в кар'єрі, поступово скочується у щось на зразок опозиції. Звичайно, він не йде на демонстрацію, але він обов'язково через це буде пояснювати свої невдачі. А якщо у кого-то все добре, принаймні зовні, то всі думають, що це тому, що він дружить з владою. Але я хочу поставити їм одне просте запитання: «Якщо мені цей лідер дуже подобається по-людськи, чому я не маю права говорити про це вголос?» І ще одне питання: "чи Відрізнялася моє трактування "Чаконы" за Брежнєва, при Єльцині і при Путіні? Змінюється з часом моє ставлення до неї чи ні?» Я сам собі його ставлю. Звичайно немає. Пам'ять про Баха, Шуберті, Чайковського і живе століттями, тому що в порівнянні з їх музикою все це дрібниці. Для них головне - життя і смерть, любов і ненависть, вірність і зрада, те, що має значення у всі часи. Чому «Нокіа» (наспівує: «Мі-ре-ре-мі-ре-ре-сі») використовує в якості телефонного дзвінка симфонію Моцарта? Та тому що це найкраща симфонія, тому що це перевірено століттями. Тому що автор знайшов саму лаконічну форму висловлювання, об'єднавши в ньому прагнення мільйонів людей, які населяють земну кулю. Це буде жити вічно, хто б ні стояв у влади. Сьюзен Зонтаг одного разу сказала: «Що таке щастя і свобода? Це можливість піти від самообману». Ця думка захоплює мене досі. Ось що важливо.

В'ячеслав Суріков, Експерт online

Біографія STARS

075d077c

Брежнєва проти Черенцової

Віра Брежнєва
Віра Брежнєва
3
голосів
VS
Вікторія Черенцова
Вікторія Черенцова
1
голосів