Микола Попов: «Зараз матеріальне остаточно перемогло духовне»

PLG_JOOMLAVOTEEXTENDED_USER_RATING

PLG_JOOMLAVOTEEXTENDED_ARTICLE_VOTE_SUCCESS

Флейтисти — народ веселий, більше всього на світі вони люблять розповідати анекдоти про альтистів, а альтисти їм в помсту легко замінюють у бородатому анекдоті «альтиста» на «флейтиста» і кажуть всім: «Як? Ви не чули новий анекдот про флейтиста? Ось як змусити флейтиста грати з палаючими очима? Треба посвітити їй ліхтариком у вухо!»

А якщо серйозно, флейта — найдавніший інструмент, всі ці свистки, дудочки, свирельки відомі з добиблейских, точніше, з незапам'ятних часів, по суті, вони й привели в якийсь момент до народження многотрубного органу...

Флейтистів прийнято виставляти, м'яко скажемо, людьми незвичайними, і наскільки справедливо це, ми дізналися у аса з асів, чудового профі Миколи Попова, грає в оркестрі Великого театру.

Микола Попов (нар. у 1975 р.) — відомий російський флейтист, зараз служить в оркестрі Великого театру, до цього працював в БСО їм. Чайковського. Народився в Ленінграді, навчався в Санкт-Петербурзькій консерваторії. У 1996-му на запрошення славетного метра — швейцарського флейтиста Ореля Николі проходив річне стажування у Європейській академії ім. Моцарта в Польщі.

Потім закінчив аспірантуру Вищої школи музики і театру в Мюнхені. Лауреат міжнародних конкурсів у Росії, Італії, Великобританії та Японії. Захоплюється грою на саксофоні, бере участь у різноманітних джаз-проектах.

«Це так сумно, якщо з музикантом ні поговорити, ні випити!»

— Микола, «Репетиції оркестру» Фелліні флейтистка зробила сальто і вигукнула: «Так, всі думають, що ми божевільні, бо ми дуємо, дмемо, дмемо, і всі чекають, що ми ще таке викинемо!» Ви і правда такі сума...

— Якщо чесно сказати, то так. Всі думають, скажімо, про дівчину-флейтистку, що вона неодмінно повинна бути навіженої, «вся в пошуку», вогонь... і так, раніше диригенти дуже любили саджати таку на перший пульт флейт, бо навколо одні мужики, причому всі такі брутальні, між собою мат-перемат, а дівчина є дівчина, тягнеться до високого.

Я думаю, що у Фелліні саме ця тема піднімається — показати роль жінки в оркестрі, куди їх раніше не дуже-то брали. Але взагалі-то я зустрічав у своєму житті прототипи образів Фелліні, так.

— Навіжених флейтистів?

— Ні, чоловіки часто, навпаки, у своїх думах, малоразговорчивые, «з тарганами», що називається...

— Музиканти дуже люблять виділяти свій інструмент як сольний, самодостатній. Але якщо альт у сприйнятті людей з горем навпіл таки став сольним (Башмет, все таке), то з духовими як-то складніше... повноцінного «осолирования» якось не сталося.

— Ні, звичайно. Перше місце серед соло займає вокал, потім фортепіано, потім скрипка, віолончель... а далі пішли вже всі інші (сміється). Та й альт насправді не став повноцінним сольним інструментом...

Тут питання ось у чому. Французький флейтист Жан-П'єр Рампаль (з якого інші починають вести історію флейти як сольного інструменту. — прим. ред.) був приголомшливим у спілкуванні людиною. До нього усі горнулися, такий був гуморист...

— Такий ростроповичский тип?

— Ну приблизно так. Він спілкувався з Сальвадором Далі, з усіма композиторами, музикантами, їздив на фестивалі, був великою особистістю — ось це і зіграло основну роль. Ви мене вибачте, звичайно, Рампаль — приголомшливий професіонал, але і в роки його життя, і зараз були флейтисти сильніше Рампаля.

Взагалі в наш час особистість має куди більше значення, ніж сам виконавець. Ну візьміть навіть персону Еммануеля Пайю (або Паю), учня мого ж вчителі Ореля Ніколі, — він прекрасний флейтист, але, гадаєте, він один такий? Існує величезна кількість флейтистів, які як мінімум не гірше, а може, в чомусь і краще. Але він син дипломата, вміє спілкуватися, вміє до себе розташувати.

— Розташувати буквально на побутовому рівні?..

— Звичайно! Це так і відбувається: їдеш ти на фестиваль, питаєш — а хто зі мною? А-а, ось цей, так? Ну і чудово, чудова компанія! От і пішла-поїхала популярність людини, його чарівність... Ні, це здорово, коли в одному поєднуються і геніальний музикант, і прекрасна людина. Але якщо з музикантом ні поговорити, ні випити, нічого, а він тільки добре грає — це завжди якось незатишно...

— По-чеховски думаєш, «а не сволота він»?

— Ні, тоді просто виникає питання: а навіщо тобі взагалі з ним грати?

— А чому у всіх флейтистів такий фетиш в особі британця Джеймса Голуэя, він дійсно так неймовірний?

— До нього можна по-різному ставитися як до музиканта, але те, що стосується його звукових можливостей, того, як він грає зі своїми фірмовими «золотим вібраціями», — це, звичайно, унікальний випадок. У Голуэя була дуже непроста доля серед флейтистів свого покоління. Флейтовое спільнота його довго не брало саме як флейтиста, скільки критики вилилося...

Але він (завдяки собі, вдалому менеджменту, виконання ірландських музичних тем) став дуже популярним у широких мас. Він домігся головного: звук його завжди пізнаваний. І тут уже неважливо, хто там що каже з твоїх колег, — ти стаєш єдиним і неповторним. Причому він саме так і мислить звук, це не вигадане, не зроблене...

— Звучання від душі?

— Так; інша справа, що він практично всю музику грає одним і тим же звуком, але люди ласі на тембр. Тембр голосу, тембр звуку. Тому його концерти і донині йдуть по світу з великим успіхом.

— Мене завжди вражало, як інші музиканти могли на якийсь час йти з професії — взагалі займатися те спортом, то бізнесом, а потім повертатися і грати навіть краще, ніж раніше...

— Так, я знаю одного гобоїста, який років десять бути ріелтором, а потім повернувся в музику — і все чудово! Доля непередбачувана...

Інші музиканти дуже инструментозависимы: вони, перш ніж поїхати на дачу з дітьми, обов'язково повинні позайматися, це для них еліксир щастя, ось позаймаються — і все, вони самоутвердились, відразу відчуття, що життя налагодилося. Добре це чи погано, не знаю.

— Ви не такий?

— Та ну, немає. Можу довгий час не брати в руки інструмент, потім взяти його і піти зіграти концерт. Інша справа, близькі скаржаться, що я не відповідаю на питання, які мені задають протягом дня, — не чую їх, у вухах постійно музика. Або якась ідея. Так що моїм близьким було б навіть легше, якби я годину позаймався, а потім...

— Копати картоплю.

— Ну так, копати картоплю, бути з усіма. Але ні, голова постійно зайнята. Я ж ще сам пишу музику — наприклад, «Фронтовий щоденник» (рапсодія на теми пісень воєнних років), різні фантазії для флейти, аранжування. Музика оздоровлює. А флейта — корисний інструмент.

Скажімо, дуже сильно розвинена моторика — йде постійна зміна пальців на клапанах. А кінчики пальців безпосередньо пов'язані з мозковою діяльністю. Наш цар Павло Перший добре грав на флейті, Фрідріх Другий грав: флейта — королівський інструмент, багато аристократи на ньому грали, тобто ця розвинена моторика (ну як з чотками) дозволяла швидше міркувати, займатися важливими політичними процесами.

«Ми живемо марного життям — треба терміново написати мейл»

— Цікава думка прозвучала в інтерв'ю з одним флейтистом: потрібно дотримуватися рівновагу між тим, чому вас навчають, і тим, що ви відкриваєте самі. Флейта сприяє пошуку?

— Слухайте, заняття музикою в принципі спонукає до пошуку. До дискусії. Адже музика звучить один раз. На концерті.

— Так, але в запису...

Микола Попов: "Є речі, якими керують сили нам непідвладні"

— Що в запису? Живе виконання все одно не передається ні через які носії, ще поки немає і ще довго не буде способів передачі того, що діється в залі.

Флейта — духовий інструмент, пошук звуку залежить від самої людини; якщо в інших духових є тростину або мундштук, люди намагаються сподіватися, що «тростина якась не така» і «завтра буде краще, ніж вчора», то у випадку флейти все залежить від самого музиканта і його стабільності. Тобто пошук пошуком, але тут він має інше значення: людина шукає не якісь різні принципи виконавства, але шукає сенс в самій музиці, де кожну фразу можна зіграти по-різному...

— Договорите думка: в студійного запису багато втрачається?

— Ну тут як... Для музиканта, може, і багато що купується, тому що будь-який запис може бути очищена так, що людина ніколи в житті так і не зіграє взагалі.

Зараз можна склеїти і по ноті, і за шістнадцятим часткам, і за тридцять другим, було б бажання. Записи корисні для нас самих, бо ми можемо почути себе з боку. Але питання не в тому, що втрачається або набувається: процес, який відбувається на сцені, — він абсолютно унікальний.

Ну це можна порівняти з перебуванням на репетиції, де неймовірна енергетика. Як це можна дивитися по телевізору? Звичайно, поговорити з музикантом, що знаходяться на сцені, не можна, зате можна побачити, як він переживає, як веде ту чи іншу фразу, як у нього все це відбувається — переконує він тебе чи не переконує, йому цікаво чи нецікаво. Це як спостерігати за художником, який малює картину: що він робить, не зовсім зрозуміло, але цікаво.

— Ні, а як тоді доторкнутися до старих записів, до старим майстрам?

— От якщо я щось і слухаю, це якраз старі записи. А чому? Час тоді було інше. Я-то, слава богу, навчався у таких видатних педагогів, як швейцарський флейтист Оріль Николе або як мій педагог Матвєєв, який працював в оркестрі Мравінського. Вже дуже відрізняється формація музикантів того покоління від нинішніх. І не тому, що майстри стали гірше, а просто дух часу такий.

Ми живемо марного життям: я повинен подзвонити, написати мейл, а раніше життя було повільніше — навіть в XX столітті, не кажучи вже про століття XVIII–XIX. Людині ж треба час для усвідомлення глобальних процесів, для усвідомлення музичного матеріалу (кожен інтервал має своє значення, в музиці маса прихованих смислів почуттів, ідей автора)...

— Тоді це було більш виважено, більш вистраждано, більш продумано?

— Ну звісно, людина не відволікався на всяку нісенітницю, пов'язану з побутовими питаннями, а зараз щось матеріальне нарешті перемогло духовне.

— Тобто технічно музиканти грають краще, а за змістом гірше?

— До музики не підходить поняття «краще» або «гірше». Це не спорт. Завдання будь-якого виконавця — слухати себе, і якщо йому цікаво себе слухати, то публіка це відчуває, отримуючи велике задоволення. А якщо музикант не готовий себе слухати, тоді виходить порожнеча. Зараз більший акцент йде на віртуозні ефекти, на враження, на те, щоб був перформанс. Щоб людина, яка сидить у залі, не так вже сильно і вслухався, але щоб був ефектний відеоряд...

Публіка ходить на знакові імена, всім рухає реклама. І музиканту, щоб не те щоб продати себе, але привернути до себе увагу, доводиться створювати якісь цікаві моменти навколо виконання. Правильно це чи неправильно, говорити безглуздо, такий дух часу. Маркетинг.

— І проти трендів не підеш?

— Чоловік, який відрізняється від інших, він вже не в тусовці: «Краще нехай у мене все буде схоже на інших, не буду виділятися, але при цьому залишуся з шматком хліба, з концертами і з компанією». Ось як міркують люди...

— А не те що Ван Гог, блукаючи з міста в місто, в лісі ночував без жодної тусовки, один-однісінький...

— Ну, знаєте, як спіраль все розвивається: зараз так, а через двадцять-тридцять років усі стануть переходити на індивідуальний шлях розвитку. Відмовлятися від будь-яких загальноприйнятих речей і звичного способу життя. Вже це починається... тому що якщо поглянути на зовсім юне покоління, вони по-своєму мислять, вони позбавлені якоїсь боязні, ні, наприклад, такого — боятися педагога. Не те що ми колись з трепетом йшли...

«Люди стали як клони, під копірку»

— У Дали була така фраза: якщо живопис тебе не полюбила, то скільки б ти не намагався полюбити живопис, все одно ні чорта не вийде.

— А я зворотне скажу. Якщо у людини щось не буде виходити в музиці, але йому страшенно хочеться підкорити цю вершину — все одно його труднощі не зупинять. У мене є маса прикладів, коли діти чудово навчаються у звичайній школі, але при цьому чомусь хочуть бути музикантами. А не лікарями, математиками, комп'ютерниками, все одно їх тягне в ноти, вони без цього не можуть.

— Так що ж тут поганого?

— Якщо людині подобається з цим жити і він потім не стане кусати лікті з приводу того, навіщо він став музикантом, то це нормально. Але кусають лікті, повірте, багато. Тих, хто обрав професію тільки тому, що їх батьки так захотіли. Треба пам'ятати, що ресурси дітей не безмежні.

Так, у Росії є діти, у шість років грають Шопена геніально, але якщо вся система освіти заточена тільки на таких дітей, то можна сказати, що цієї системи немає зовсім. Адже найголовніше завдання освіти — прищеплення дітям любові до музики.

— А не отбитие, як зараз.

— Ну так, якщо дитина прийшла в музичну школу, це ж не означає, що він повинен стати геніальним музикантом або композитором. Якщо йому подобається подудеть на сопілці або пограти в ансамблі — чому він повинен правильно дудіти на сопілці чи правильно грати на скрипці? Нехай дудить неправильно... але з задоволенням!

Організувати дитини до 7-8 років складно. І, може, не треба давати складні програми, нехай одну ноту тицяє правильно, ось за моєю методикою (а я сам трохи викладаю) діти повинні розвиватися природно, нехай довго, але природно! Нехай буде мінімальна завдання, але зате він буде поєднувати себе з інструментом. А в цій єдності весь сенс.

ІІ Міжнародна літня творча школа ЦМШ

— Часто музиканти люблять поговорити про різниці шкіл в різних країнах. Мовляв, осмислення життя у Європі та в Росії різне і звідси різні традиції гри...

— Ні, життя зараз зрівнялася, в різних куточках земної кулі всі живуть, в принципі, однаково. З одним життєвим комфортом. Адже в основному всі живуть в мегаполісах, і ритм цих мегаполісів приблизно однаковий.

Що до шкіл, то у нас відомі німецька і французька флейтові школи. Але знову ж зараз відкритий світ, все нівелювалося, немає такого, що хтось грає так чи інакше, просто є певний стандарт, за яким грають на скрипках, флейтах, роялях, це має бути якісно, чисто, без помилок.

— Але щось же дав нам технічний прогрес?

— Дав. Тепер чоловік намагається зіграти всі ноти і бути на рівні інших — тобто середній рівень став набагато вище, ніж був раніше. А якщо говорити про індивідуальність, то тут... о-о, моє вухо стало бути відсутні, тому що всі грають приблизно однаково — добре, здорово в технічному плані, і нюанси, і інтонаційно, весь стандартний набір необхідних опцій.

З одного боку, це круто. Тому що завдяки технічному прогресу зріс рівень самих інструментів. Якщо раніше вони були тільки з дерева, то тепер — благородні метали, хороші сплави... і золоті, платинові, і срібні, навіть титанові флейти є, які завгодно. Індустрія дійшла вже до всього. Але...

— Але?

— Але є фундаментальне поняття музики, яка для багатьох вже втрачено. Ідейність у виконавстві відійшла на задній план. Тому що люди — не тільки музиканти, але і в особистісному плані — стають схожими один на одного. В плані якихось ідей і всього... Клони.

— А можна взагалі прищепити людині почуття стилю?

— Стилю навчити складно. Кожен приходить до його розумію своїм дуже складним методом. Як мені говорив Оріль Ніколі, «кращий учень — це мавпа», яка може з тебе скопіювати все один в один. І мій підхід такий: спочатку потрібно, щоб учень навчився грати правильно, копіював тебе, а власне усвідомлення приходить пізніше, воно має визріти.

— У чому бачите якщо не завтрашній день, то хоча б сьогоднішній вечір музики?

— Час якраз провокує на те, щоб чоловік виконував саму різну музику в різних стилях і на різних інструментах. Це те, що ми втратили: музиканти XVIII–XIX століть грали буквально на всьому, що під рукою було! Це були люди широкого кругозору.

І я сподіваюся, цей виток повернеться. Думаю, що скоро класичні музиканти звернуть пильну увагу на джаз, тому що джазу вже більше ста років і це цілком собі класичний стиль; імпровізаційність провокує людину на більш вільне ставлення до музики, ніж буквоедский, дедуктивний принцип.

Це найголовніше — щоб був баланс голови та серця, у цьому завдання виконавця: не засушити всі, а трошки розмочити і розбавити, як ніби ця музика народжена прямо зараз, на сцені... Адже коли Моцарт писав свої шедеври в 8 років, це теж була чиста імпровізація з його боку.

— Про що ви мріяли, чого сьогодні в музиці не вистачає?

— Мріяв створити в Росії академію камерного музикування. А ідея ось у чому, її треба точно вловити. Я мав насолоду брати участь як студент в подібних європейських академіях. Там молодь має можливість музикувати і спілкуватися з провідними світовими професорами.

Приїжджають в одне місце, разом проводять тиждень, у них спільний дозвілля, репетирують, грають, все проходить в дружньому ключі. І ці емоції залишаються з 18-19-річним людиною на все життя. Вільний спільне музикування — це взагалі фундамент музики, як це раніше було: такий образ життя, люди приходили один до одного в гості, ставили свіжі ноти, читали буквально з листа, як книжку, перш цих нот і не бачили... це відчуття спільного польоту.

І ось цього музикування у нас дуже-дуже не вистачає. Коли є дух, є свобода, коли загальний для всіх музичний мова робить необов'язковими всі ці нескінченні «притирання», настільки важливі для сучасних тріо та квартетів. Ось у тебе день народження, друзі прийшли, нотки швиденько поставили, наплювали, що столи з салатами ломляться, тому що одне всіма рухає бажання грати!


Відео дня